Vera Portatadino The Sun is the Same23.06. - 30.07.2017

Vera Portatadino The Sun is the Same • view of the exhibition

(all images courtesy of the artist / photos by Cosimo Filippini)

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Nel trattato The Human Condition (1958) Hannah Arendt definisce l’opera d’arte come «dimora immortale per esseri mortali». Secondo la filosofa, influenzata in ciò dalle visioni di Martin Heidegger, suo primo maestro, l’opera d’arte sarebbe l’unico prodotto dell’attività umana a possedere carattere d’immortalità, poiché non «toccata dall’effetto corrosivo dei processi naturali» e non destinata «all’uso da parte delle creature viventi». In essa avrebbe luogo il prolungamento del presente da istante inafferrabile a nunc stans, l’adesso che perdura. In questo senso, esporre opere d’arte “immortali” all’interno di una forma “deperibile” come una casa abbandonata rende ancor più evidente lo scarto tra il carattere permanente delle prime e il valore d’uso transitorio dell’oggetto investito dall’inesorabile processo di decadenza.

Paola Angelini

Paola Angelini, Studio di luce 2 / Study of Light 2, 2014
oil on linen, 103 x 107 cm
Courtesy of the artist 

Sia quando viene esercitata en plein air, assimilando le vibrazioni atmosferiche del paesaggio, sia nella prossimità emotiva di una natura morta, la pittura di Paola Angelini si presenta come un amalgama equilibrato di materiali personali e di sollecitazioni esterne, sedimentatesi in lei, sotto forma d’immagini e di sensazioni fisiche, durante lo studio oppure in occasione di viaggi e prolungati soggiorni, come quelli, decisivi sul piano biografico, in Norvegia e in Belgio.

Jacopo Casadei

Jacopo Casadei, No Posa, 2016
tecnica mista su tela, 60x45 cm
Courtesy l'artista

Jacopo Casadei è musicista oltre che pittore. Conoscere questo suo duplice talento risulta fondamentale per “interpretare” le sue opere. L’artista stesso afferma di affrontare ogni nuovo dipinto come uno spartito, in cui, proprio come nella notazione musicale, ogni minimo segno concorre in maniera essenziale alla composizione.

Valentina D'Amaro

Valentina D'Amaro, Senza titolo, 2013
olio su tela, 80 x 100 cm, courtesy dell'artista

I quadri di Valentina D’Amaro si riconoscono al primo sguardo. Non diversamente dai pittori ortodossi di icone, che reiteravano all’infinito il medesimo volto con l’aspirazione, mai appagata, di coglierne l’impalpabile santità, e similmente a Claude Monet, che ha esplorato l’anima della cattedrale di Notre-Dame a Rouen in una serie di trenta intensi dipinti (1892-1894), D’Amaro tenta di approssimarsi al nucleo atemporale, universale e spirituale del reale attraverso la ripetizione di paesaggi. 

Lorenzo Di Lucido

Lorenzo Di Lucido, Collapse, 2015
olio su tela, 18 x 12 cm
Courtesy l'artista

«Con la pittura uccidi le superfici: perché un quadro, mentre viene costruito, ne uccide altri dieci, cento, anche di più». In poche parole affilate, Lorenzo Di Lucido riassume la struttura profondamente dialettica del dipingere, un processo creativo di cui egli non sottovaluta la pars destruens, ineliminabile, benché di norma sottaciuta. L'immagine ultima sopravvive allo scarto, in un percorso segnato da tentativi, errori, incertezze e ripensamenti, difficoltà tecniche e dubbi.

Harald Hofmann. Von abwesender Anwesenheit…Matthias Erntges Galerie, Düsseldorf27.05. - 16.07.2016

Harald Hofmann, Das Licht der Erkenntnis, 2015
tempera on paper, 30 x 40 cm
Courtesy the artist and Matthias Erntges Galerie, Düsseldorf

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Il titolo scelto da Harald Hofmann ispirandosi a Henri Bergson, Von abwesender Anwesenheit… [Della presenza assente], non si limita a constatare un dato evidente, vale a dire l’assenza di presenza umana dagli ambienti dipinti, ma allude piuttosto al complesso rapporto tra presenza e assenza, che connota l’intima relazione tra individuo da un lato e oggetti della sua sfera privata dall’altro. 

Marco Salvetti

Marco Salvetti, Figura sotto la pioggia, 2016
olio e pastelli su tela, 30x40 cm
Courtesy l'artista

Le opere di Marco Salvetti hanno un legame indiretto e intenzionalmente affievolito con la realtà esterna: in tal senso azzardiamo la definizione di pittura intuitiva, frutto di un processo interiore che trova un’analogia letteraria nella formulazione offertaci da Italo Calvino per introdurre le sue Cosmicomiche: «Leggo per curiosità, a ondate […] e salto spesso da un argomento all’altro. […] I racconti vengono fuori per conto loro, obbediscono a una loro dinamica interna, sulla quale può capitare che s’innesti l’occasione delle sollecitazioni esteriori». In Salvetti infatti l’evidente denominatore comune che connota le sue opere non va ricondotto a un vero e proprio ragionare sistematico, quanto piuttosto alla coerenza delle sue molteplici fonti d’ispirazione. 

Antonio Bardino

Antonio Bardino, Senza titolo, 2013
olio su tela, 30x30 cm, courtesy l'artista

Ai confini della foresta di Fontainbleau i pittori Barbisonniers hanno dato avvio, nella seconda metà dell’Ottocento, a una tradizione di pittura paesaggistica alla quale, per certi versi, possiamo accordare anche la ricerca di Antonio Bardino. Originario di Alghero e trasferitosi da anni a Udine, anch’egli, come i pittori di Barbizon, si trova su un confine: duplice nel suo caso.

Astrid Styma. Nymphe24.10.2015 - 28.11.2015

Astrid Styma, Every day a selfie, 2014
triptych, oil on MDF, each 30x22 cm
(view of the exhibition at Raum e.V.)

(segue traduzione in italiano)

Meist wird das Wort Nymphe unmittelbar mit Begriffen wie Weiblichkeit und Sinnlichkeit in Verbindung gesetzt. Und das ist auch kein Wunder, wenn man sowohl an die griechische und römische Mythologie, wo Nymphen überall auf Feldern, in Klüften, Brisen, Bergen, Seen, Meeren, Flüssen, Quellen, Tälern, Wäldern, Wiesen und Bäumen vorkommen, als auch an Nabokovs Roman Lolita denkt. Der russisch-amerikanische Schriftsteller hat das Wort Nymphchen eigentlich geprägt, um einen bestimmten Typ vom jungen und maliziösen Mädchen zu beschreiben, von dem der Protagonist des Romans bezaubert wird.

Sabine Hauptmanns in mostra alla galleria Anna Klinkhammer

Sabine Hauptmanns, Abendzucker, 2012, olio su tela, 18x24 cm
courtesy l'artista e Anna Klinkhammer Galerie, Düsseldorf

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La galleria Anna Klinkhammer presenta una gradevole personale della pittrice Sabine Hauptmanns, tedesca ma nata in Spagna.

Anzitutto però una piccola informazione pratica per chi ancora non lo sapesse: la galleria non si trova più in Mutter-Ey-Strasse 5 ma ha una nuova sede in Neubrückstr. 6. 

Un’atmosfera raccolta e familiare accoglie il visitatore del piccolo spazio a pochi passi dal K20. I lavori di Sabine Hauptmanns, a dispetto di alcuni forti e vivaci cromatismi, sono tutt’altro che invadenti e rispecchiano al contrario l’atteggiamento sobrio e garbato che si riscontra anche nei modi della stessa artista.

Enrico Tealdi. La diagonale diffusa.

Enrico Tealdi, Il posto sbagliato dell'anima, 2015
tecnica mista su carta incollata su tela, 30x40 cm
courtesy l'artista

Talvolta, nell’arte come nella vita, si instaurano legami accidentali e imperscrutabili da non trascurare: così per esempio, nella stessa epoca e senza che gli autori si conoscessero, Fernando Pessoa concepì Il libro dell’inquietudine di Bernardo Soares e Rainer Maria Rilke pubblicò I quaderni di Malte Laurids Brigge, due opere profondamente affini, sin dalla struttura del titolo. Accostarvi le nuove opere di Enrico Tealdi non costituisce soltanto un esercizio retorico: la selezione di dipinti sembra davvero ricondurci alle ambientazioni rarefatte ed estetizzanti di Rilke, anche se a stupire maggiormente è il nesso strutturale e profondo con lo zibaldone di Pessoa.

Vera Portatadino

Vera Portatadino, The Cycle (When the Night Comes), 2015
olio su tela, 160x160 cm, courtesy dell'artista

Ci sono luoghi in cui l’oscurità non cala soltanto: incombe. E proprio questo li rende luoghi metaforici per eccellenza. L’Africa, protagonista di una serie di tele che Vera Portatadino ha dipinto dopo un viaggio in Tanzania, è uno di tali luoghi, se come afferma la stessa artista: «Nella natura più che nella disparità sociale emerge la contraddizione». Il concetto d’incombenza della notte, con le proiezioni a essa usualmente correlate (paura, ferinità, disorientamento e somma precarietà), ci sembra quindi una possibile chiave di lettura del suo lavoro. Una Notte che si emancipa tuttavia da ogni attributo temporale, per diventare principio, presenza allusa. Ne sono veicolo, in molte sue opere, sia bestie sia volti umani che, nell’immaginario securizzato dell’osservatore urbano, sconfinano nel dominio dell’animalità selvaggia.

Fabio Marullo

Fabio Marullo, Aprirci all’enigma dell’essere, 2015
olio su lino, 140x100 cm, courtesy l’artista

Definiamo liminare la pittura di Fabio Marullo, poiché sembra attingere le sue migliori energie allo spazio-tempo nebuloso e incerto che precede il risveglio, quando ancora la mente indugia nella logica farraginosa del sogno, ma già iniziano a farsi strada i primi pensieri lucidi e le percezioni nitide del reale; oppure, al contrario, a quello complementare della veglia che precede il sonno, quando la coscienza cerca ancora di aggrapparsi a scampoli di sensatezza senza riuscire a frenare l’inesorabile scivolamento nell’irrazionale, quando i sogni compaiono nella nostra realtà e la contaminano con sprazzi di assurdo.

Figure dell’ingenuità Figures of Naivety

Figure dell'ingenuità / Figures of Naivety
View of the text installed in the exhibition
Una gita nel bosco / Ein Ausflug in den Wald
Photo courtesy Gianni Moretti 

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Figure dell'ingenuità

di Veronica Liotti e Stefano Franchini

(Düsseldorf, 25 aprile 2015)

Presentiamo qui sei figure dell’ingenuità:

il Bambino, l’Animale, il Santo, il Politico, l’Economista

e infine Perelà,

la creatura futurista di Aldo Palazzeschi che dell’ingenuità è metafora assoluta.

Le presentiamo attraverso un collage testuale,

applicando per questa operazione critica

il principio costruttivo radicale suggerito da Walter Benjamin:

un testo fatto solamente di citazioni.

Non si tratta di condividere o criticare ciò che le citazioni dicono,

ma di affrontare il tema in modo possibilmente suggestivo e stimolante.

Ogni testo è introdotto da un nostro sintetico commento.

Tutti i testi risalgono a un’epoca anteriore al 1933,

data cruciale che segna una cesura

nella storia dell'ingenuità.

Primavera siciliana a Düsseldorf

Daniele Franzella, Dell'inutilità, della disciplina e delle cose che ci sembrano importanti, 2015
Courtesy the artist

Daniele Franzella. Chronik der Stadt Ur

Atelier am Eck, in Himmelgeister Straße 107

8. - 17. Mai 2015

Diego Ruggiero und José Florentino

Vögel und Bäume. Laissez mes armée être les rochers et les arbres, et les oiseaux dans le ciel

SITTart Galerie im Küstler-Atelierhaus

9. - 31. Mai 2015

Questo maggio a Düsseldorf sono sbocciate le zagare, con due mostre di artisti siciliani, entrambe a cura del palermitano Alessandro Pinto.

Christoph Schellberg Linn Lühn Galerie, Düsseldorf 14.03 - 16.05.2015

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La personale di Christoph Schellberg riserva al visitatore due piacevoli illusioni.

La prima riguarda l’installazione e il criterio formale cui è ispirata che sembra prospettare una narrazione basata su un preciso ordine, mentre si è di fronte a una sequenza “casuale” di disegni abbastanza simili seppur privi di una relazione narrativa o logica tra loro, ordinati solamente secondo un parametro oggettivo, cioè la gradazione cromatica.

Cristoph Schellberg
view of the installation at Linn Lühn Galerie, Düsseldorf

1 Koffer Kunst. Foto reportage II: la mostra

Gosia Turzeniecka

1 Koffer Kunst. Foto reportage I: l'inaugurazione

1 Koffer Kunst 3.-17. Mai 2015 Kunst die in einen Koffer passt:eine italienische Gruppenausstellung mit Künstlern aus Turin

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Domenica 3 maggio, la mostra 1 Koffer Kunst (1 valigia di arte) inaugura nell'atelier della casa della scultrice Nele Waldert e dell'architetto paesaggista Markus Loh, in Viersener Strasse 38, a Düsseldorf/Heerdt.

Accogliendo il loro invito, la curatrice italiana Veronica Liotti, loro amica, esporrà per la prima volta a Düsseldorf i lavori di 4 artisti torinesi, in una collettiva concepita per l'occasione. 

Lorenza Boisi

Lorenza Boisi, Self Portrait Posing as a Sculpture, 2014
olio su tela, 120 x 100 cm
courtesy l'artista

Pittrice d’incertezze e possibilità: così si definisce Lorenza Boisi in un’intervista rilasciata alla rivista FlashArt un paio di anni fa. Sebbene non si occupi programmaticamente di tematiche sociopolitiche o di critica dell'attualità, ma abbia «sempre lavorato per rendere tangibile, condivisibile, un universo interiore», l’artista milanese entra, più o meno consapevolmente, in profonda risonanza con il suo e il nostro tempo.

Michele Tocca

Michele Tocca, Cloud III, 2014

olio su tela, 80x50 cm

Courtesy of the Artist and of James Fuentes

Photo by Adam Reich

Michele Tocca è un pittore anagraficamente giovane, ma con una consapevolezza già solida della propria disciplina: il dipingere quasi esclusivamente a olio su tela e sempre dal vero non attesta semplicemente la sua adesione a canoni e tecniche tradizionali; è altresì un espediente per poter sviluppare una riflessione sull'architettura dell'immagine pittorica, sulla mutevolezza del «mondo in presa diretta», sulla necessità di aderire alle cose per poterle tradurre in immagini.

Giovanni Frangi

Giovanni Frangi, Val Bondone, 2013
olio su tela, 130x100 cm
courtesy l'artista e Galleria dello Scudo, Verona

L'olio su tela di Giovanni Frangi intitolato Val Bondone è un dipinto di grande formato, caso non isolato nella produzione dell'artista. Dal vero, sviluppandosi in verticale, immerge lo spettatore nel paesaggio che ritrae. Questa fruizione “immersiva” delle sue opere, indissolubilmente legata al fattore dimensionale, non è un aspetto secondario, ma è parte integrante dell'approccio di Frangi e del complesso equilibrio che la sua pittura tenta d'instaurare con la rappresentazione della natura e con la tradizione paesaggistica, all'interno della quale egli andrebbe – credo legittimamente – collocato, seppure in una posizione peculiare.

Gianluca Di Pasquale

Gianluca Di Pasquale, Bagnante, 2013-2014
olio su tela, cm 150 × 100
Courtesy Galleria Monica De Cardenas, Milano/Zuoz
Foto di Andrea Rossetti

Lo scorcio dipinto da Gianluca Di Pasquale ci immerge in un angolo di paradiso, raccolto e sereno. In un diradamento della foresta lussureggiante i nostri occhi sorprendono una donna solitaria e nuda nelle acque ferme di un lago, inconsapevole dello sguardo altrui e abbandonata al piacere del bagno e della natura.

Nele Waldert. Atmen

Heldengalerie

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I ragazzi di Nele Waldert non hanno età, identità, provenienza o intenzioni specifiche. I loro sguardi si perdono nel vuoto e le labbra socchiuse abbozzano un'espressione ineffabile, incapaci (e senza bisogno) di parlare, perché prive di vouloir-dire. Così dev'esser stato l'Adamo primordiale nel momento della sua creazione, ben prima di avere in dono la parola e il linguaggio, ancora in grata attesa di ricevere un soffio di vita.

Katja Davar. Lettura di un'ondaNele Waldert. Della dissimulazione onestaa cura di Veronica LiottiEFFEARTE, Milano23 maggio - 12 settembre 2014

Katja Davar, The Stage The Plot, 2012
animazione H/D, bianco e nero, senza sonoro, 2:35 min.
Courtesy l'artista e galerie Kadel Willborn, Düsseldorf

Nele Waldert, Mann mit Glasblasen, 2009
gesso sintetico e vetro, 74x22x22 cm
Courtesy l'artista

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Milano 22 maggio 2014. EFFEARTE raddoppia l'ultimo appuntamento della stagione con due personali delle artiste Katja Davar e Nele Waldert. Le due mostre Katja Davar. Lettura di un'onda, prima personale dell'artista in Italia, e Nele Waldert. Della dissimulazione onesta, seppure inaugurate e ospitate contemporaneamente negli spazi della galleria, sono autonome sia nell'allestimento sia nel concept. Entrambe attive nel cuore della regione renana, rispettivamente a Colonia e a Düsseldorf, e pressoché coetanee, Katja Davar e Nele Waldert sviluppano tuttavia ricerche dai presupposti e dagli esiti completamente differenti.